Museo Ambiental

Centaura Justina o Caballo con Ruedas​

Autor: Gaudi Esté

​Material: Concreto y Metal

​Dimensiones: 3.00 mts x 2.80 mts X 1.50 mts​

Técnica: Mixta (Concreto y Metal)



Elabora un animal quimérico que integra la presencia de los caballos custodios naturales del parque, junto con la rueda alusiva a la modernidad que convoca al desplazamiento en el pasar del tiempo. Magistralmente maneja una técnica que es el concreto y el hierro que es la evidencia de lo que significa la gran ciudad mimetizándose sutilmente en el bosque.

 

Gaudi Esté realiza sus primeros estudios de pintura entre 1968 y 1969 en el Politécnico de Richmond, Inglaterra. Entre 1972 y 1976 cursa arte puro y cerámica de la escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas en Caracas. Posteriormente (1978 -1979) estudia escultura en la misma escuela.

 

La artista ha venido desarrollándose de manera sostenida en la escultura. La madera será el material por excelencia para su obra después de su experiencia con la carpintería y la artesanía en su fábrica de juguetes didácticos realizados en madera. La caoba, el samán y el cedro, así como tintas y pátinas de colores son los elementos básicos para la realización de sus piezas. Talla figuras humanas, así como objetos y animales, entre ellos caballos.

 

Trabajó la madera con distintas técnicas para lograr diversas textura y aprovechando los colores y formas naturales de este material. Ha encontrado en la madera sensibilidad y madurez en el lenguaje.

 

Su trayectoria ha sido coherente y continúa y su obra ha sido reconocida a través de conocidos premios y distinciones. Ha participado en diversas exhibiciones y está representada en los más importantes centros de difusión de las plásticas nacionales e internacionales.

La otra mejilla o el pensador

Elabora una obra de notable lirismo: Una cabeza de pensador vaciada en bronce y que descansa sobre un espejo de agua, como emergiendo de él. El gesto apela a las emociones profundas como homenaje a un fragmento de la poesía de la obra El Hidalgo en “Las Formas del Fuego” de José Antonio Ramos Sucre. “Yo padezco sumergido en la sombra, la caguedad de una estatua de mármol y su tristeza inmortal”.

 

James Mathisson, nace en Caracas en 1966, trabaja la escultura desde hace varios años en El Hatillo. Posteriormente vivió en Francia e Inglaterra, donde cursó estudios en Técnicas avanzadas de fundición en el Saint Martins Institute of Art, Londres.

Desde 1960 ha participado en exposiciones individuales y colectivas, destacándose su participación en varias ediciones de la Feria Iberoamericana de Arte y en el Proyecto del Museo Ambiental del Parque Los Caobos. Homo sentimentalis fue su primera exposición individual en el Grupo Li – Centro de Arte.

Su tema central es la figura humana masculina la que gusta representar con gran expresividad, volcándose hacia los desnudos y los vacíos. La mayoría de sus piezas transmiten abatimiento, espera, melancolía.

El Hombre Fragmento de Mathison, la figura humana que le gusta representar, son hombres “erguidos, ligeramente balanceados, desnudos, a veces con los brazos extendidos o cruzados o firmes o con una mano al cuello” según el crítico Juan Carlos Palenzuela. Su obra tiende a lo figurativo buscando  mantener las proporciones anatómicas de las figuras. Su trabajo está inspirado en las ruinas de las esculturas clásicas, buscando resaltar lo humano que hay en ellas.

Representado en el MACC Latin Art Museum Los Ángeles, Shell de Venezuela y colecciones privadas.

Ícaro

Autor: Felipe Herrera

Material: Concreto y Metal

Dimensiones: 2,63 mts. x 4,80 mts. x 3,20 mts.

Técnica: Mixta (Concreto y Metal)

 

Felipe Herrera nace en Valencia (Edo. Carabobo), el 17 de enero de 1947 realiza estudios en la escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas, Caracas. Graduado en la especialidad de Arte Puro, 1967.

 

 

Toma el mito del Ícaro y el de los ángeles, encerrando a un ser fantástico y descomunal en una gran jaula de concreto y metal forjado. Herrera toma un fragmento del escritor Wilfredo Machado “Un hombre no es un pájaro y debe soportar la ruindad de estar atado a la tierra como un ángel del cielo”, para reafirmar este azaroso tiempo de sociedades deprimidas. El Ícaro caído parece sumirse en una profunda reflexión sobre su terrible destino. Sin embargo, un detalle: la punta del ala que aún le queda ha roto dos borrotes.

 

 

Distinciones:- 1947, Premio de Escultura Salón “Arturo Michelena”, Valencia, Edo. Carabobo, Venezuela.- Premio Avellán, Galería Eugenio Mendoza, Caracas, Venezuela.- 1974, Premio de Dibujo Emilio Boggie, “Salón Arturo Michelena”, Valencia, Edo. Carabobo, Venezuela.- 1979, Premio de Dibujo, Club de Leones, “Salón Arturo Michelena”, Valencia, Edo. Carabobo, Venezuela.- Segundo Premio en el “II Salón de Pintura Fundarte”. Caracas, Venezuela.- Premio Gobernador de Yaracuy, “II Salón Regional de Artistas”, Acarigua, Edo. Portuguesa, Venezuela.- II Salón regional de artistas, Acarigua, Venezuela.- 1981, Premio Adquisición del Salón “Jóvenes Artistas”, Museo de Arte Contemporáneo y Museo de Bellas Artes. Caracas, Venezuela.- 1982, Premio Bolsa de trabajo. “Primera Bienal de Dibujo Gráfico”, Fundarte, Galería de Arte Nacional. Caracas, Venezuela.- Premio Juan Lovera. “XL Salón Arturo Michelena”, Valencia, Edo. Carabobo, Venezuela.- 1984, Primer Premio de Pintura, Salón de Arte de Aragua”, Maracay. Edo. Aragua. Venezuela.- 1985, Premio Adquisición Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, III Bienal Nacional de Artes Visuales.

 

Representado en:

- Venezuela: Museo de Bellas Artes, Galería de Arte Nacional, Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Museo de Arte de Aragua, Museo de Arte de Barquisimeto, Colección de la Compañía Metro de Caracas, Colección Fundarte, Colección Mavesa, Colección CANTV.

- Colecciones particulares en: Venezuela, Colombia, Brasil, Uruguay, EEUU, España, Francia y Suiza.

 

Exposiciones:Ha participado en más de 60 exposiciones entre colectivos e individuales en distinguidos centros y eventos de difusión cultural tanto en Venezuela como en el exterior.

El dobléz

Dimensiones: 5,00 mts. X 2,00 mts. X 2,15 mts.
Técnica: Mixta (Concreto y Metal).

 

Es un artista que ha centrado su expresión plástica en la denuncia de las miserias humanas a través de la frialdad del acero. Su obra representa la incursión de lo urbano en el parque, expresando este fenómeno en la oposición cultural-naturaleza, como una manera de buscar el equilibrio que necesitamos para vivir en nuestra ciudad. Sydia ha simulado una alcantarilla desproporcionada para señalar la podredumbre y proponer, por vía del arte, un camino para salir de ella. Víctor Guedez nos señala que en definitiva, “Sydia Reyes nos hace nuevamente recordar que el arte no es algo distinto a mirar las cosas de una manera distinta a como generalmente se ven”.

Sydia Reyes nace en Caracas en 1957 y estudia arte puro en la Escuela de Artes Plásticas Armando Reverón de Barcelona, Edo. Anzoátegui. Parte de su formación y trayectoria ha transcurrido en la Fundación Polar, el Teatro Teresa Carreño y la Cite Des Art Studio en París, Francia.

Ha expuesto en forma individual y colectiva en los museos más importantes de Venezuela y centros de arte en Asia, Europa, Norte y Latinoamérica. Su obra ha sido exhibida en Venezuela, Miami, Nueva York, Chicago, Francia, Egipto, Grecia, Brasil, Alemania, México, Canadá, Colombia, Argentina, Cuba, Japón entre otros países. Su trabajo ha obtenido reconocimientos nacionales e internacionales.

Algunas de sus distinciones incluyen el premio de la UNESCO en El Cairo, Egipto en 1998 así como el AICA también en Egipto, el Primer Premio de escultura de madera en Lyons, Francia y el premio especial para escultura internacional en OSAKA, Japón.

Su obra está representada en Venezuela en la Fundación Polar, SIDOR, el Museo Alejandro Otero, El Museo de Arte Contemporáneo, El Ministerio de Relaciones Exteriores, la Galería de Arte Nacional, la Universidad Simón Bolívar, la Universidad Metropolitana; Caracas y el Museo de Arte Moderno Juan Astorga Anta en Mérida. En el exterior está representada en The Culture House, St. Pierre Chartruese (France), Village of Lincolnwood, Il, EEUU, y el Molaa Museum en Los Ángeles California, Museo de Arte Contemporaneo de Osaka, Japón, entre otros.

Vuelo Cruzado

Julio Pacheco R
Dimensiones: 3.00 mts x 5.00 mts x 0.50 mts
Técnica: Ensamblaje de metal

Elabora un objeto escapado de sus residencias utópicas, que simula un avión sujetado a la superficie vegetal como juguete o mariposa de colección. Y toma el texto del poemario “De un cielo que me inventaron” de Armando Contreras en 1992:

 

“Hemos sido mares

para peces encantados

casi inventos de sirena

aveces cielo de un azul en transito

pero en esta terrania

donde te haces pájaro

todos somos árbol”.

 

Julio Pacheco Rivas nació en Caracas el 25 de julio de 1953. Se inicia en la pintura de madera autodidacta en la ciudad de San Cristóbal, estado Táchira, en donde vivió hasta los 16 años. En 1969, radicado en Caracas, comienza a asistir al Taller de Arte Experimental que había fundado en maestro Víctor Valera. En 1972, para complacer a sus padres, intenta sin resultado alguno seguir, la carrera de derecho.

En 1974 es aceptado en el Salón Centro Plaza y obtiene en este su primera recompensa. Después de exponer en varias colectivas realizadas en Caracas y ser aceptado en el Salón Arturo Michelena, de Valencia, se dirige a Paris, donde residirá por espacio de diez años. Entretanto, desde Francia, toma parte en exposiciones internacionales celebradas en Basilea, Londres, Paris y Mónaco. En 1981 es incluido en la colectiva “Jóvenes artistas latinoamericanos”, Hotel de Ville, Paris. En 1984 es seleccionado para compartir por la bolsa de trabajo que se otorga en el Premio Eugenio Mendoza, en la sala de la Fundación del mismo nombre. 

En 1987 regresa a Venezuela y se residencia en Caracas, donde proseguirá su investigación, hasta hoy. Exposiciones individuales más importantes: Galería del Banap, 1974; Galería Estudio Actual, 1976 y 1980; el museo de Bellas Artes presento en 1992 una amplia exposición de su obra con el título de “Ciudad de los símbolos precarios”. En 1990 representa a Venezuela en la Bienal de Venecia. Ha obtenido, entre otras, las siguientes recompensas: Premio Andrés Pérez Mujica, Salón Arturo Michelena, Valencia; Premio del Jurado del XII Concurso Internacional de Arte Contemporáneo de Mónaco, 1980; Premio único del Salón Anual de la Fundación Vitro – Sur – Seire, para pintores menores de cuarenta años, Francia; primer premio de Pintura del I Salón Nacional de artes Plásticas, 1988, al que concurre con su obra Compendium, un tríptico de ocho metros y medio de longitud.

Trompetilla para sordos

Marcos Salazar
Dimensiones: 3.40 mts x 1.53 mts x 1.90 mts
Técnica: Vaciado en bronce

 

Pintor y Escultor, ha dedicado su obra a expresar la fuerza de la vida en su manifestación más esencial. Dentro de una amplia investigación en lo pictórico así como en la escultura, el artista decodifica la Vivencia Electroacústica del cuerpo, mediante diferentes lenguajes, para dar sentido al llamado que lo sagrado ejerce desde el campo de lo invisible. Es dentro de esta investigación que aparece la Trompetilla para Sordos, pieza que nos presenta una trompetilla como las usadas antiguamente para oír mejor, pero con la particularidad que en este caso, la trompetilla se desarrolla de la oreja hacia adentro. La obra modula el sonido ambiental en dos tonos, que se perciben a ambos desde ambos extremos de la escultura, induciéndonos a acércanos a escuchar nuestra propia música vital.

Marcos Salazar Delfino, nace en Caracas, Venezuela en 1948. Estudia técnicas para la fabricación de moldes, con el maestro Biaggio Campanella en la Escuela Cristóbal Rojas de Caracas. Es pintor autodidacta. Cursa estudios de Ingeniería Civil en la UCAB y de Filosofía en la UCV.

Es miembro fundador del Programa Nacional para el Desarrollo del Arte Cibernético y Telemático en Venezuela. Desde el inicio de su actividad ha participado en más de cincuenta exposiciones colectivas en Venezuela (Caracas, Valencia, Barquisimeto, Porlamar, Puerto Ordaz, Maracay, Río Caribe (Sucre). Y en el exterior, en países como EEUU, Cuba, Indonesia.

Su obra ha sido expuesta alrededor de una decena de exposiciones individuales en reconocidas instituciones culturales en Venezuela, Brasil y Madrid.
Representaciones en museos y colecciones públicas:
Museo de Arte Contemporáneo, Caracas; Craft And Fol. Museum, Los Ángeles, California, CAYC, Buenos Aires, Argentina; Corporación de Industrias Montana Corimón, Caracas; Fundación Polar, Caracas; IBM de Venezuela; Presidencia de la República de Venezuela; Seguros Nuevo Mundo, Caracas; Museo Jacobo Borges, Caracas; Universidad de Oklahoma, USA; Bolívar Films, Caracas; Museo Ambiental Parque Los Caobos, Caracas; Universidad de Los Andes; Mérida; Cementos Caribe C.A.; Universidad Metropolitana, Caracas.

Reconocimientos:
1984 – Premio Nacional de Escenografía para Cine.
1989 – Mención de Honor, 1ra. Bienal Nacional de Artes Visuales, Christian Dior, Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Caracas.
1998 – Recibe la medalla “Caracas” por su aporte del “Museo Ambiental Parque Los Caobos”.

Fundapatrimonio

Historia de Fundapatrimonio

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Es una institución creada por la Alcaldía del Municipio Bolivariano Libertador para atender todo lo referente al Patrimonio Cultural de las 22 parroquias que lo integran. La institución nace en 1993 a raíz de la revisión de la estructura operativa de la Fundación para los Teatros y Cines de Caracas (FUNTECA), la cual desde 1991, venía prestando atención casi exclusiva al proceso de restauración del Teatro Municipal de Caracas. A partir de enlaces, se dio una orientación operativa de la Fundación, permitiéndole dar respuesta a las necesidades de restauración, rehabilitación y conservación de edificaciones con valor histórico de todo el municipio. FUNDAPATRIMONIO-Alcaldía de Caracas se ha enfocado en acercar la comunidad a su Patrimonio Cultural y vincularla a la recuperación de los íconos de su historia.
 

Esto ha permitido romper con el paradigma que los monumentos y sitios históricos son para musealizarse, pues nos hemos dado a la tarea de que la historia sea cercana, para que el ciudadano común pueda identificarse con ella y hacerla parte de sí.

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Misión

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Es ubicar, identificar, restaurar, conservar, promover y activar el Patrimonio Cultural del Municipio Bolivariano Libertador, bajo rigurosos parámetros profesionales y convocando la participación de las comunidades organizadas. Su labor está orientada a despertar el interés por el patrimonio tangible e intangible que atesora la ciudad.



Visión

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Ente Descentralizado de la Alcaldía del Municipio Bolivariano Libertador, cuya principal labor es crear consciencia del valor histórico-cultural del patrimonio tangible e intangible de la ciudad, a través de la investigación rigurosa, desarrollo de proyectos de intervención e implantación de programas de valorización cultural en diferentes espacios.

Título: Efebo de Maratón 350 a.C. (Copia)​
Autor: En investigación​
Ubicación: La pieza original se encuentra en el Museo Nacional de Atenas​
Técnica: Vaciado en metales​
Estilo: Clásico

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Donación del Gobierno de la República de Grecia al Concejo Municipal de la Ciudad de Caracas en el año 1988.
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Esta escultura donada por el Gobierno de la República de Grecia al Gobierno venezolano denominada Efebo de Maratón es una copia de la pieza que fue hallada en el mar egeo en el siglo XIX, representa la figura de un Efebo es decir un adolescente de gran belleza, su estilo y formas corresponden con el período clásico de la estatuaria griega, etapa en la cual se logra el naturalismo idealizado, la armonía y el equilibrio, en esta figura broncilínea observamos un movimiento mucho más amplio y natural que del resto de la estatutaria de ese momento histórico, pieza de alta calidad volumétrica donde el movimiento de los brazos extendidos nos deja ver una estilización definida de este período del arte.
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La influencia de Praxiteles importante escultor griego del período clásico fue tan notable en Atenas durante el siglo IV que resulta difícil saber que obras son originales del artista ático. Eso sucede con este Efebo, cuya factura nos recuerda al Sátiro escanciador cuya copia se conserva en el Museo de Dresde en Alemania.
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Entrado ya el siglo IV ADC, la escultura griega toma un carácter realista que degenera en sensualismo al buscar el sentimiento, la gracia y la delicadeza en vez de la grandiosidad y elevación que distinguía a los períodos anteriores.

Fuente Venezuela - Ernesto Maragall

Origen de la Fuente

Con la finalidad de cambiar el aspecto de la recién construida redoma de la Plaza Venezuela en 1952, el entonces Concejo Municipal de Caracas, llevó adelante un concurso entre los más prestigiosos artistas del país, para la ejecución de un conjunto de esculturas y fuentes luminosas.
El proyecto que resultó ganador del concurso se debió al Escultor Ernesto Maragall y tendría un costo de Bs. 349.043,25.
Fue sometido entonces por la Gobernación del Distrito Federal, a la consideración de la Cámara.
La obra bautizada con el nombre de la “Fuente Venezuela”, quedó situada en el centro del espejo de agua sobre el nivel del estanque.
En forma radial consta de cinco estatuas sobre sus respectivos pedestales, simbolizando cinco regiones geográficas de Venezuela: El Ávila, Los Andes, Los Llanos, El Orinoco y El Caribe.
Por una remodelación vial de la zona, la fuente fue trasladada al Parque Los Caobos el 12 de octubre de 1967, fecha a partir de la cual permanece en el mismo lugar

Ernesto Maragall

Nace en Barcelona, España, el 3 de noviembre de 1903.
Estudia en Mond´Or y Escola de Bell Oficis, dirigida por Francisco Gali.
1928 se traslada a Paris, lo visita Pablo Picasso.1933 vuelve a Barcelona1937 se traslada a Venezuela, es profesor en la escuela de Artes Plásticas, conoce a Francisco Narváez y Armando Reveron.1938 trabaja en el Ministerio de Obras Publicas.1940 trabaja con Guinand1952 diseña la Fuente Venezuela1955 realiza Los Símbolos, Los Precursores y Los Próceres con relieves de las batallas de Ayacucho, Carabobo, Pichincha y Boyacá.1979 Realiza un monumento en conmemoración de los “Caídos de la generación del 28”1991 Muere en Caracas

Valores

La obra de arte “Fuente Venezuela” cuenta con extraordinarios valores estéticos y simbólicos particulares. Está conformada por cinco esculturas gigantes, tres anillos circulares formando un estanque de agua y una flor central. El agua se presenta como parte inseparable y elemento fundamental del conjunto escultórico formando parte de la pieza ya que su movimiento en formas ascendente le da movimiento a las esculturas. Cuenta con una serie de chorros que alcanzan diferentes alturas y le otorgan un volumen importante a la obra.El perímetro de la fuente es de 100 metros lineales, rodeado por 60 piezas o elementos pre-fabricados en mortero.

Especificaciones Técnicas

El diámetro de la fuente es de 32 metros, marcando la cinta de la circunferencia un brocal de piedra tallada de 30 centímetros conteniendo en su centro, las cinco estatuas colocadas equidistantes, en forma radial, con un diámetro de 8 metros y la elevación de las estatuas sobre el nivel del estanque es de 3 metros por 80 centímetros de ancho. Cada una de las esculturas está sentada en una base de tres niveles con una altura total de 1.80 metros.
La fuente cuenta con cuatro sistemas independientes hidráulicas y cada uno de ellos tiene una configuración de chorros de agua de estética definida por boquillas especiales de bronce tipo cascada, graduadas para conseguir el efecto deseado con características de salidas de agua, de acuerdo a cada nivel de la fuente. Este sistema hidráulico se impulsa por un grupo alternado de motobombas de 25 hp moviendo aproximadamente 2200 galones de agua por minuto.
El sistema hidráulico de chorros es animado al igual que los reflectores de luces halógenos que complementan el conjunto. Esto se logra mediante la activación de válvulas solenoides, las cuales se encarrilan simétricamente en el tiempo de trabajo, activándose y desactivándose simultáneamente.
Toda la investigación histórica como parte integral de la restauración actual, permite exaltar los valores estéticos, simbólicos, ornamentales y funcionales del proyecto original diseñado por Ernesto Maragall.